Art Russia 2023

в Гостином Дворе в 4 раз крупнейшая ярмарка современного искусства.

Текстуры, ужастики, неокитч и просто китч, ску льптурки, инсталляции и бутофория от искусства, поделки и дрю проделки!

Анатолий Строчилин XC!

АНАТОЛИЙ СТРОЧИЛИН, род.1933

Работает в студии «Новая реальность» с 1967 г.

Член Союза художников СССР с 1964 г

Анатолий  родился в г. Егорьевск Московской области.

Интерес к живописи возник в раннем детстве, разглядывая цветные репродукции картин известных художников в журнале «Нива». Журнал, как и библиотеку, собирал  дед художника,  священник, настоятель храма Александра Невского, Троицкого Собора в городе Егорьевск. Колебаний не было — Анатолий хотел стать художником и больше никем. Детские годы художника прошли в условиях войны – эвакуация, поезда, поездки. В его детских рисунках основное место занимают паровозы, вагоны, поезда,  рельсы, мосты, и еще хлеб, которого не было.

Случай определил начальное художественное образование в художественно-ремесленном училище при Дулевском фарфоровом заводе, здесь он изучил все премудрости фарфорового производства  и росписи фарфоровых изделий.

Вскоре молодой художник поступил в Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. Мухиной (1955 – 1961), которое закончил с отличием и вернулся на Дулевский фарфоровый завод. Будучи в Ленинграде Строчилин получал знания, не только в художественно – промышленном училище, но и регулярно посещая Государственный Эрмитаж, изучая творчесво известнейших мастеров живописи различных эпох.

На Дулевском заводе, куда после учебы вернулся Анатолий Строчилин, им создано много произведений в фарфоре, как для тиражной продукции, так и уникальных, которые хранятся в музеях Истры, Сергиево — Посада, Кускова, Москвы, Красноярска, Егорьевска. Его работы закупались Министерством культуры СССР и РСФСР, экспонировались в Росии и за рубежом. Его имя отмечено в БСЭ в статье посвященной Дулевскому фарфоровому заводу. В 1979 году  А. Строчилин становиться главным художником Московского областного художественного фонда и комбината художественных работ в подмосковных Химках.

В своем творчестве  Анатолий Строчилин не ограничивается   фарфором. Одновременно с этим художник работает в станковой живописи, графике, создает монументальные работы и ищет новые пути развития изобразительных средств. Эти поиски привели его в 1967 году в студию известного художника и теоретика искусства Элия Белютина. «…пришли в Ветошный переулок в полуподвал, нас группа 15 – 20 человек, все члены союза художников. Делимся впечатлениями. Вдруг сзади раздался громкий голос: «Кто меня ждет! Я, Белютин!». Появился энергичный, актерского вида человек. Человек, который сразу взял нас в оборот. При этом в его словах был  какой то  магнетизм. Он начал рассказывать об искусстве, которое нам было сначала даже тревожно, непонятно…Потом поняли «новая реальность» — это реальность художественного образа. Обычно понимают реальность в искусстве, как изображение видимого мира на холсте, в точности без изменений. Но художник смотрит и у него рождается образ, окрашенный своим отношением к предмету.  Как бы на энергетическом уровне в голове художника изображение кодируется знаковыми, ритмическими колебаниями, превращаясь в символы, а затем изображение появляется на холсте художника, уже прошедшее через эту кодировку. Зритель смотрит на картину еще не осознав, но она его задевает, беспокоит, она на него  воздействует. Каждая работа должна быть окрашена чувством, переживанием, а не простым оптическим созерцанием. Школа Белютина помогла нам  понять цвет, во всей его первозданности, понять как цвет воздействует. В живописи — цвет, может быть, идет впереди сюжета…»

Строчилин — художник-нонконформист, представитель андеграунда. «Художник, кажущейся сдержанным, но с большой внутренней наполненностью, стремиться найти пути, связывающие традиционность с самыми новыми живописными решениями. Талантливый живописец, он ищет эмоционального решения образов, применяя элементы структурной живописи, и экспрессионистического цвета.» — Э. Белютин

Работы Анатолия Строчилина представлены в музеях и частных собраниях Запада и России -Люксембурга, Кипра, Германии, Венгрии, Литвы,  США, Польши, Москвы, Калининграде, Орле, Новом Иерусалиме, Кинешме, Иваново, Ульяновске, Новосибирске; в музеях -ГТГ, РГАЛИ, фонде «Новая реальность». Из их числа наиболее значительные: : «Фантазия»,1987г., «Голгофа», 1989г.

Участник неразрешенных правительством СССР Абрамцевских   выставок «Новой реальности» с 1967 – 1990гг.

.           Выставки «Новой реальности» с 1989 по 2005гг.: г. Лондон. Беркли Сквер Галери; Будапешт, Варшава, Лодзь, Калининград, Орел, Москва: Манеж (1990-1991), Польский культурный центр, Выставочный зал на Солянке, ЦБ РФ; Кинешма, Ульяновск, Иваново, Нью-Йорк, Бостон, Аннандайл-на-Гудзоне, Торонто.

Даты: Александр Федорович Панкин

АЛЕКСАНДР ПАНКИН, род.1938

 

Работал в студии «Новая реальность» в 1964 – 1985гг

Член Союза Архитекторов России с 1971г

 

Родился в г.Егорьевск. Окончил Московский архитектурный институт в 1963г. Занимал должность главного архитектора своего родного города Егорьевска. Творческую деятельность начал в 1960-е годы.

Александр Панкин классик отечественного современного искусства, художник, находящийся в непрерывном развитии почти 60 лет. Его искусство с самого начала следовало модернистскому вектору. Вначале он экспериментирует с самыми актуальными направлениями абстракции, затем под влиянием Элия Белютина переходит к фигуративу и наполненному метафорами языку экспрессионизма, а в 1990 годы переходит к аналитической абстракции, названной им самим «мета – абстракцией» — искусством, исследующим язык беспредметности, а вслед за тем к методам математических и вообще научных исследований. Панкин открывает новые связи между искусством и математикой, и шире разными сферами науки, тем самым, демонстрируя совершенно новаторские художественные подходы.

Художника всегда глубоко интересовало искусство русского авангарда начала двадцатого века, проблематика супрематизма и конструктивизма. Используя несложный математический анализ к поверхности нескольких ключевых картин Малевича ( в том числе к хрестоматийному «Черному квадрату» 1915г) неожиданно вышел на целую череду открытий, доказывающих, что мастер авангарда в своих произведениях создавал гармонические модели, которые по точности расчетов и безупречности пропорций не уступали лучшим образцам эпохи Возрождения и последующего классического искусства.

Александр Панкин – архитектор, и именно понимание им законов организации пространства и пропорций в архитектуре привело его к оригинальным открытиям в визуальном искусстве.

Один из самых талантливых студийцев «Новой реальности», обладает великолепным рисунком. Цвет кладет большими плоскостями. Тонко чувствует и знает современное искусство. «Художник большого темперамента, остро чувствующий современность», отзывался о нем Э. Белютин, « Присущий ему рационализм он умеет сочетать  с большой силой красочного выражения образа. Излюбленные сюжеты  А.Панкина – мужские и женские фигуры и общественные темы (митинги, собрания), где человек выступает смятенным борцом с самим собой».

Выставляться начал с 1980 –х годов. Первая персональная выставка прошла в 1985г в Доме ученых «Объединенного института ядерных исследований» в подмосковном городе  Дубне, который был площадкой, где на протяжении нескольких десятилетий происходили выставки неофициального искусства.

На протяжении последующих лет большое количество выставок, как в России, так и за рубежом. Одна из последних «Между нулем и единицей. Александр Панкин и авангарды» в Московском Музее Современного Искусства, июнь, 2019г

Участник неразрешенных правительством СССР Абрамцевских выставок «Новой реальности» с 1965 – 1985гг.

И выставок «Новой реальности» с 1989 по 1991гг.: Лондон, Будапешт, Варшава, Лодзь, Калининград, Орел, Москва: Манеж (1990 -1991), Польский культурный центр, Выставочный зал на Солянке, Кинешма, Ульяновск, Нью-Йорк, Бостон, Аннандайл-на-Гудзоне, Торонто.

Работы находятся в Государственной Третьяковской галереи, г. Москва; Государственный центр современного искусства, г.Москва; Государственный Русский музей, Санкт-Петербург: Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; Дальневосточный художественный музей, Хабаровск; Художественный музей, Калининград.  В частных собраниях России, Польши, Германии, Австрии, США, Нидерландов, Франции, Финляндии, Швеции.

Второй русский авангард

Сегодня день рождения Виктора Булдакова.на фото -события его жизни

Какие они все разные — Белютинцы! Анатолий Строчилин, Владислав Зубарев, Валентин Окороков, Вера Преображенская,  Александр Панкин, Марина Зенчева, Филиппова, Скопов, Инесса Рябинина и многие, многие…

Но что — то есть общее в них. Смотришь на их работы и хочется жить! Истинность и профессионализм. В работах  то, что присуще большим художникам. Не знаю что это.

Возможно это свобода в душе, в цвете, в форме! И они останутся в веках!

В работах Виктора Булдакова есть некий определенный ритм и повторяющаяся расстановка форм и цветовых пятен. Еще чуть — чуть и можно, как говорят художники, уйти в декоративность, но этого не происходит.

На выставке в Ногинске еще раз окунулась в атмосферу белютинцев, не хочется уходить!

Отзыв Ольги Грачевой на выставку В.Булдакова в Доме художника его родного города Ногинск

Дом Культуры

В МВО Манеж выставка ДК СССР -более семи сотен произведений в восьми жанрах искусства -архитектура, скульптура, театр, графика, живопись, кино и фотография.

Проекты памятника и мавзолея вождю пролетариата.

Проекты Алкександра Родченко и Константина Мельникова, Леонидова  и др. конструктивистов, Ле Корбюзье, дизайнеров из США. Двоякое чувство и сложные впечатления от восприятия событий и артефактов, фактически недавнего прошлого; задаёт тон  трёхметровое белое «Ухо» КГБ(?) довлеющее над залом(экспозицией), сюрным зеркалом отражая эпоху.

Мускулатура строителей коммунизма. Полифонично, во всех жанрах и стилях —духовные ёмкости Виктора Попкова, концептуализм Франциско Инфанте и кинетизм Славы Колейчука, терменфокс, Симфония Шостаковича и камлания Петра Мамонова. Мозаики из смальты Нади Леже.

Элий Михайлович Белютин

Памяти великого педагога, теоретика искусства, художника

Элия Белютина  1925-2012

О себе и обо всем, пусть скажет он сам

 

« Я ДУМАЮ О СЕБЕ РАЗНОЕ»
И мысли часто становятся похожими на танец,
где вместо партнеров — Я.
То один, то другой. И найти, кто же Я, становиться почти невозможно.
Однако я должен жить. Должен оправдать свое право жить и что делать.
Ведь конец — это награда за нечто.
И потому я поднимаюсь, падаю, снова поднимаюсь, но иду туда,
где я должен быть.

«ИСКУССТВО — ЧТО ЭТО?»
Это созерцание или такая же реальность, как хлеб.
Почему искусство вечно, как земля, небо, океаны?
Может быть, потому что оно такое же?
Тело человека тленно, а дух вечен. Искусство — вечный дух человека.
Дух не его деяний, не его образа, а жизнь самого духа (не мыслей или чувств).
И художник ищет наполнить его тем языком, которым говорит этот дух, ласкает
его, гладит, усмиряет. И тогда рождается искусство.

«КАРТИНА»
Художник, его жалкое тело — и холст, краски, кисти.
И вдруг все меняется.
Нет художника, нет холста — только крик, только мольба, только вера, только
любовь.

«ЖИЗНЬ»
Травинка под упавшим временем, где кто — то ходит, где — то свет.
А может быть, это сновидение и жизнь самое нелепое из них.

«ГОРОД МОСКВА»
Улицы, состоящие из тупиков и машин.
И еще людей, идущих по упавшим, оступившимся, замечтавшимся.
И над этим равнодушное небо без облаков.

«АБРАМЦЕВО»
Длинноты. Паузы. Междометия.
Тишина. Звуки, Чистый воздух. Сломанная ветка.
И зеленые облака.

«СВЕТ»
Свет ласкает руки, как котенок.
Ложиться на пол . Проникает в окно.
Он входит в тебя, как надежда, как радость.
Свет, как жизнь, наполняет твое сердце.
И чья-то рука уже тянется к выключателю.

Владислав Константинович Зубарев

27 января 1937г. родился Владислав Зубарев, художник, поэт, педагог…

В чём секрет притягательности, магия личности художника ? Почему в контакте с ним и в первую очередь, с его живописью, вовлечение и в сопереживание искусства включается любой, даже неподготовленный и неискушённый человек.

Приведём слова случайного зрителя:

«Конечно сразу и безусловно принимается форма, не шаблонная, вплоть до эксперимента.

Экспрессивное письмо живописных полотен органично переливается в скульптуру.

Господствует буйство красок, вместе с этим лаконичное и чётко сформулированное.

Органика природных форм дерева, стали или урбанистических обломков подкупает неприхотливой комбинаторикой, сочленением разнородных элементов пластики.

Мозаичная прорисовка цвета светится и энергично пульсирует.

В скульптуре «Время» ощущение лёгкости у массивной пластики раскрашенной коряги висящей на строительных гвоздях.

Аллегория баланса времён?»

 

со своим самоваром…

На родине самоваров в Туле, в Государственном Историческом Музее «Купеческий портрет ХVII-начала ХХвека» -48 уникальных портретов; выставка третьего сословия. Прослеживается «социальная эволюция» от примитива, до вполне импрессионистского Серовского письма.

Поучителен сей поистине наивный дизайн,  вместе с этим, убедительный стайлинг боголепия, зажиточности, порядка.

Памяти Учителя

В тринадцатом году, в сочельник, не стало Владислава
Зубарева. За год перед этим ушёл Элий Белютин.
Остались произведения живописи, графики, скульптуры
в отечественных и зарубежных музеях, частных
коллекциях, каталоги, книги, посвященные теории,
методические разработки, программы и проч. Как и его
Учитель, «автор судьбы», Зубарев работал много и
всегда, что невозможно представить в цифрах.
Наследие, которое оставили эти русские художники
нам, студийцам, старшим «абрамцевским» и
младшим зубаревским оказалось настолько огромным,
что сегодня, спустя десятилетие, мы только начинаем
осознавать его масштаб. Речь не идет о живописных
полотнах, которые естественно служили источником
питания, восприятия направления, и которые
составляют главную, пусть самую ценную, но лишь
часть наследия. Но о том, что было основой кол-
лективных художественных практик, по своей
направленности и средствам выражения не имеющих
аналогов в русском искусстве второй половины
двадцатого – начала этого века.
Не признавалось понятие ученик. Природа студии не

предполагала традиционного этапа собственно
ученичества и создания учебных работ.
Объемный труд «Теория контактности» вырос из
практики. В этом его ценность. Владислав Зубарев,
вышедший из абрамцевской и возглавивший по
просьбе художников студию «Темпоральная
реальность», доказал, какие неограниченные
возможности открывает Теория. Не только для
участников – соучастников ее создания, но и
художников, покинувших студию. На выставках
белютинец — виден сразу. Это не обязательно. Пример –
Александр Панкин, который занялся в своем творчестве совсем
другим. Хотя, наряду с Зубаревым отличался в своих
студийных работах глубоким проникновением в
принципы метода и верной его интерпретацией.
Другой путь — творчество Веры Преображенской,
ветерана абрамцевской студии и участницы создания
теории контактности, — живопись основанная на чистой
геометрии. Тем не менее, ее формы не принадлежат к
абстракции, даже в широком понимании этого слова.
Они несут в себе связь с природой, натурой, особым
видением и пониманием художницей предметов и
явлений.
Путь Зубарева – развитие метода. Сохранение принци-
пов построения композиции не препятствующих сво-
боде изъявления богатства воображения художника.

Как и Белютин, он не принадлежал к числу творцов,
замыкающихся в башне из слоновой кости. Его
одержимость живописью всегда носила открытый
характер. Он владел искусством заражать, убеждать,
создавать в студии особую ауру, напряженное
пространство, погружаясь в которое художники
открывают в себе силу, заложенную в человеке самой
природой. Понятие «коллективная практика» здесь не
совсем верно. (Как кстати и «хеппенинг»).
Его живопись менялась подобно изменениям в
природе и в жизни. Но сам художник находился вне
событий и вне моды. Он строил новую вселенную.
Характер энергетической мощи его картин сохранялся
на прежнем уровне до конца.
В сознании его современников, студийцев, студентов
Владислав Зубарев остается верным последователем
великих традиций Русского авангарда и русского
искусства вообще. Прежде всего в том, что касается
позитивного отношения к миру, приятия бытия в самом широком смысле, включая важный для него
временной аспект.
По прошествии стольких лет, сегодня это наследие не
просто не устарело, оно оказывается как никогда
современным. Не подражать ! Миру интересны и
важны как один из источников питания творчества наше

видение жизни, наш русский вклад в копилку
цивилизации, в духовное обогащение человечества.
Среди черновых записей художника тех лет находим:
«Русское искусство в своей основе — образное. Писать
как распаханное поле. Наша живопись как пашня
сибирская — развороченная земля лагерей, по которой
прошли танки. Все взрывает ». Или такое замечание,
свидетельствующее о внимании к народной, даже
лубочной культуре: «пишите яркими радостными
красками так, чтобы получилась трагедия».
Феномен времени стал объектом его внимания
еще в шестидесятые годы. Мир менялся. Новые,
невиданные ранее скорости и проникновение в
недоступные ранее макро и микро пространства
неизбежно влияли на наши представления о прошлом,
настоящем и будущем. Постепенно складывалась
теория художника «Темпоральное искусство», кото-
рая основывается на стремительном современном
процессе сжатия пространства и переоценке в нашем
сознании понятия времени. Увлеченный идеями
Козырева, он пытается перенести на полотно
представление о времени как альтернативную
реальность: в будущем «человечество будет жить во
времени». Чтобы жить во времени по Зубареву : «…
надо попытаться ощутить себя маленьким ребеночком
и стариком одновременно, быть способным узнать себя

в булыжнике на мостовой или в весеннем облаке »
Повторяя, что время умирает в механическом
переживании одного и того же, Зубарев упорно пытал —
ся расширить внутренний объем изображения. Этот
порыв к совершенству позволял сохранять отношение к
процессу создания искусства как к чуду.
Хуан Миро как то нашел и поместил у себя объявление
– «поезд следует без остановок». Достойно большого
художника. Остается взяться за кисть ! Дорога открыта.

Н.С.Гончарук, январь 2023.

Все  и в первую очередь, ученики, благодарны Владиславу Константиновичу Зубареву за его мастерство, картины, учение о Темпоральном искусстве, что уж 10 лет как продолжаем…

 

работа Студии

Участники Студии 2000-2020г.г.:

Наталья Гончарук,

Дарья Мельникова,

Виктория Колина,

Ирина Кушнир,

Иван Симонов,

Джамиля,

Мартин Хачатрян,

Елена Медведева,

Эмили Меламуд,

Евгкений Молчанов,

Дмитрий Пастухов,

Антонина Переклад,

Дмитрий Плотников,

Александр Сафошкин,

Светлана Черепковская,

Егор Шеховцев