ВЕРА ИВАНОВНА ПРЕОБРАЖЕНСКАЯ, (1919 – 2017) Член студии «Новая Реальность» с 1958 года, бессменный староста студии Белютина. с 1945 года член Московского городского комитета художников графиков (Горком художников графиков)С 1990 г. член Международной Ассоциации Художников «Юнеско», профессионально – творческий союз художников России.

Участница I выставки русских абстракционистов – Таганской (1962) и I выставки русского авангарда в Манеже (Выставка, посвященная 30-летию МОСХА, декабрь 1962, известная скандальным посещением Н.С. Хрущевым)

Изобразительное пространство художник рассматривает как пространство изобразительной плоскости, усложненное нашими эмоциями, ощущениями и даже заранее поставленной задачей: «…Одной и может быть главной является проблема ПРОСТРАНСТВА…Пространство – это пустота, напряжение которой создает настроение. Предмет – это ощущение предмета на плоскости. В нем сливается эмоциональное состояние самого художника с той эмоцией, которая присуща самому предмету. Это могут быть пятна краски, рисунок линий, пятно тона, не повторяющие контур предмета. Но это не «абстракция», так как в них заложены конкретные переживания, мысли, ощущения художника. Цвет – это не просто краска , в которую выкрашены предметы. Цвет сильнейшее средство воздействия, наиболее доступный способ выражения настроения. Если восприятие нового пространства требует от зрителя определенных усилий, то цвет действует мнгновенно, безошибочно вызывая реакцию. Форма пространства предмета – это наше понимание соприкосновения пространства (воздуха) с конкретным физическим объектом, т.е. главное в данном случае физическое, хотя и умозрительное, ощущение поверхности предмета, не эмоция, а осязание; так как, что такое «видеть», как не «ощупывание» предмета оптическим аппаратом глаза.… Для меня белая плоскость вовсе не непроницаемая поверхность. Чаще всего она мною ощущается как сияющий ПРОВАЛ в пустоту. Когда же на нее нанесен первый штрих или мазок, то она как бы вспухает, приобретает объем. Если эту белую поверхность затонировать, закрасить какой – то краской – желтой, синей, зеленой, словом любой, то тогда она для меня превращается в жесткую плоскость. Это ощущение носит характер осязания почти физического. Но черная плоскость ощущается мной как «несуществующая»…»

Работа Веры Ивановны над любым холстом сопровождается подробными, четкими записями в дневнике, где записываются и задания Э.Белютина с графическими разработками, таблицами, объяснениями.

Ниже приведены слова Надежды Певчевой …Бродский совершенен и глобален как космос. Удивительно интересно наблюдать способ мышления, как рентген. Преображенская совершенно другая, она как раз — здесь и сейчас. крайне чувственная и детально чувствительная, боль потери отражает взгляд. Она как раненная птица.”

Описание празднований 10 июня дня рождения Элия Белютина в Абрамцеве:

В течении всех лет существования «Абрамцева» Студийцы работали там  только летом и осенью. Дом и  мастерская были не приспособлены для зимней жизни и работы.   В мае в первомайские праздники студийцы и их родственники приезжали – устраивали «субботник». Открывали дом, сушили отсыревшие за зиму покрывала, подушки. Вытаскивали из подпола посуду. Вешали вечные « маркизы». Мыли полы. Счищали с крыши прошлогоднюю листву. Убирали участок, жгли мусор.  Налаживали отопление.

 Начинали работать в июне после 10-го числа (дня рождения Э.М.Белютина). День рождение всегда пышно отмечался. Угощение было простое, кто что принесет. Обязательно были бутерброды с сыром «рок-фор» (в советские времена он стоил недорого) обожаемый Белютиным и его любимый натуральный фруктовый мармелад. Приглашались, в основном, родственники и близкие друзья студийцев. Это было и день рождение и открытие сезона. Элий Михайлович много говорил об искусстве, о задачах на новый сезон, делал критический разбор работ предыдущего сезона, выставленных в мастерской и на участке. Живопись великолепно вписывалась в природу. Природа и картины (как правило размером 2 х 3м, 1,5 х 2м) друг другу не мешали.  В доме в гостиной висела графика, иногда живопись небольшого размера. В гостиной  деревянный дощатый пол синего цвета, на нем белый мохнатый ковер на ковре антикварный столик. За ним сидел на антикварном диване Э.Белютин и кто-нибудь из студийцев. Там же были самодельные столы, покрытые крафт-бумагой, с угощением. Белютин говорил так, что поднималось настроение и хотелось жить. Это ощущали не только художники, но и их гости. К сожалению, он не разрешал себя записывать на магнитофон. Записей его речей не осталось. Есть только фотографии этих дней рождений. С середины 1980^х годов народу на этих праздниках стало больше, приглашались нужные, по мнению Белютина, люди. Начали появляться искусствоведы, фотографы, журналисты. А с начала 90^х и бизнесмены…

Из воспоминаний Лидии Кирилловой.

Задания Белютина менялись год от года и всегда оставались актуальными. Во всех заданиях везде и всегда присутствовало время. Он всегда оказывался (а с ним и все студийцы) на гребне волны, на гребне современных на то или иное время процессов происходящих в стране и мире.

Пример, картина Л.Кирилловой «Солярис», 1973г, х.м.,75 х 100. Писалась в Абрамцевском саду.

В 70-е годы вся страна, да и мир был увлечен событиями, происходящими в космическом пространстве. Вышел фильм А.Тарковского «Солярис». Это и была одна из тем , предложенных Э.Б. для живописи.

У художника Кирилловой в живописи – красный цвет – действие энергии;

сгустки синего цвета – знание; фиолетовый – решение проблемы.

Фильм «Солярис» – сложная тема, (построенная Тарковским по своему) о взаимоотношении разума земного и космического. Космического разума – субстанции, которая образована из наших человеческих мыслей, чувств, эмоций, событий, но как бы отстраненных, поскольку состоит  из других химических веществ, и самого человека.

Метод Э.Б. позволил увидеть этот субъект и отразить его в материале. Художественная система Белютина, его методика позволяют воспроизвести любое материальное и не материальное состояние мира. И в работах художников заложена не только информация о событии, но и время. 

Кроме того студийцы, будучи ЛИЧНОСТЯМИ,  каждый исходя из себя , через свою живопись ( по методике Э.Б.) стал понимать себя и свое пребывание на земле. 

ПОНЯТЬ СМЫСЛ ЖИЗНИ ЧЕРЕЗ ИСКУССТВО!

Причем методика Э.Б. не выплеск эмоций, а рассудочная математическая система.

Р.S. Поражает то, что ни один из обладателей живописи студии Белютина, не использует видение, пока еще здравствующих художников, что бы обладать их мыслями. А без этого, хранящийся у них материал – это мертвый материал! 

Поэтому искусствоведы, работающие у этих товарищей, пишут о живописи студийцев, как о цветовых пятнах, линиях, крючочках, вообщем о пустоте…

Из записей студийцев лекций Э.М. Белютина:

…Авангардизм – это чистое воздействие.

Художник, говорит Элий Михайлович, не хочет ничего доказывать – он наносит удар. Может быть ненужный и ничего не говорящий человеку, но он его наносит, как бы говоря: очнись от своей сутолоки, посмотри на явление, которое ты, наверное и не назовешь искусством, но которое существует и которое более реально, чем твоя призрачная жизнь. Это прямое воздействие основано на комбинационном мышлении. Здесь нет перевода эмоции, экспрессии, переживания действительности в мир искусства. Это несколько холодный, скорее рациональный перевод своего конфликтного существования в мире в некий конгломерат форм, красок и движений….

 …Контактность – это не просто желаемая или нарочитая реакция … Необходимо вызвать бессознательное, не осмысленное действие надсознания, то есть должен быть прямой ход к нему, без обращения к мысли, к эмоции, без рассказа и образа. Как я себе представляю, в данном случае следует найти такой способ обращения средствами искусства к зрителю, чтобы, минуя зрительные ассоциации, интеллект, сразу сказать надсознанию то, что хочешь…

… Одно важно – самое активное проявление вашей личности и ее реакции на мир. Картина должна практически перестать существовать для человека как картина. Это должен быть мир его гнева, ненависти или гармонии, открытый, бурный или тихий. Но искренний, в который человек не может не верить как в самого себя. Должно возникнуть новое искусство открытости, обращенное к надсознанию, тому, что фактически формирует личность, мораль и нравственную душу нашего современника…

«Мы, новые художники,  должны предложить не копаться в собственных комплексах и грязи, а стать человеком, воспринимающим мелочи жизни как пыль на обуви. Искусство, возвышающее душу человека над самим собой, искусство патетическое, возвышенное, гуманное и великое. Искусство – это наивысшая духовная контактность художника с действительностью, способность усилить те недоразумения, трагедии, волнения, которые  сосуществуют в людях и в нас художниках, и перевести их в пластическое  решение композиции, темы, сюжета, образа, а затем найти наиболее современные способы пластической коммуникации, т.е. связи между этим контактом и искусством, иначе говоря, современно использовать цвет, трактовку пространства, вес, тон, линию. Использовать все элементы старого и нового искусства  для активного выявления связи –  контакта художника с миром в воздействии на зрителя. Картина практически должна перестать существовать для человека как картина – это должен быть мир его гнева. ненависти или гармонии, открытый, буйный или тихий, но искренний, в который человек не может не верить как в самого себя. Вместо традиционной живописи с ее забавами для глаза и ума должно возникнуть новое искусство открытости, обращенное к надсознанию человека, к самому заветному и скрытому, что фактически формирует его личность, его мораль, нравственную его душу.»

*из архива семьи Веры Ивановны Преображенской