27 февраля — день памяти Элия Михайловича Белютина.

Искусство (творчество) — это занимать свое место, не спрашивая разрешения.

«Должно возникнуть новое искусство открытости, обращенное к надсознанию, к тому, что фактически формирует личность, мораль и нравственную душу нашего современника»

Элий Белютин

Немного о современном искусстве в современном мире, о студии Белютина «Новая

реальность» и о его видение современного искусства, воплощенное в «Теории контактности»

 

…Вторая половина ХХ века.

Закончилась вторая мировая война, люди еще помнят войну, кто товоевал, кто то жил и работал в это время, кто то пережил войну в детстве. Люди хотят жить, творить, радоваться жизни и стремиться в будущее. Конец пятидесятых, еще сильны воспоминания о войне, но вот он новый мир и мы сделаем его другим. Задачей образование в Советском Союзе, школьного, высшего являлось вырастить творца, а не квалифицированного потребителя, как это происходило, к примеру, в США. Но, государство, какое бы оно не было, на протяжении веков пытается сформировать нужный его идеи народ, а не наоборот, народ в ходе естественного развития своего формирует государство. С одной стороны сформировать творца, с другой подчинить его своим идеям.

В результате возникает альтернативная художественная мысль. Но новые формы, мысли, идеи в искусстве возникают и в ходе естественной истории, поскольку возникают единовременно в разных уголках мира. Искусство — проводник в будущее. Вот это и есть сверхзадача современного искусства в современном мире. И, естественно, возникают проводники этой сверхзадачи.

Элий Михайлович Белютин один из блестящих проводников искусства в будущее. К сожалению, будущее нам неизвестно и какие то пути могут быть тупиковые и, как часто бывает, история идет не по хорошему, умному сценарию, а по каким то извращенным, неумным и просто диким сценарием. Но так как все развивается по спирали, то на каком то витке мы опять возвращаемся к умному сценарию на более высоком уровне.. Следуя видению Белютина, искусство нечто неизмеримо большее, чем самые ценные музейные экспонаты, чем вклад денег , допинг чувств или развлекательный китч. Искусство есть форма жизни человека и, значит, нечто чрезвычайно полезное и необходимое для развития человечества. Искусство способно объединять людей и их разъединять, разрушая связь времен, превращать их в хорошо жующих скотов, прямых убийц или обогащать самыми высокими нравственными идеалами. И это свойство только современного искусства, которое действительно выражает человека своего времени. Оно пробуждает в человеке чувство собственного достоинства, делая для него свободу чувства, мыслей условием его человеческого существования.

Что такое современное искусство — это искусство соотнесенное с современностью, то есть с определенным временем существования мира, планеты, вселенной. Хотим мы этого или нет. Человек своего времени — это что? Развитие цивилизации делает его современным, политические веяния в данный момент заставляют его им соответствовать, технический прогресс побуждают человека идти в ногу со временем?. Или человечество такой же развивающийся естественный механизм, как и вся вселенная, как планета с действующими и затухающими вулканами, с развивающимися и вымирающими живыми организмами. И именно это заставляет человека, соответствовать своему времени? И вероятно поэтому новые формы, новые веяния, новые идеи как в искусстве, так и в науке одновременно возникают у людей в разных частях света.

Согласно Элию Белютину — искусство обращается к творческому началу в человеке, поэтом важно в образовании вырастить творца, а не потребителя. Ортодоксальная теория утверждает, что искусство развивает в человеке эстетическое начало, основываясь на образном понимании окружающего его мира. Отражение действительности в пластических формах создает критерии эстетические, которые, возникнув, как некая художественная форма, эволюционируют отчасти самостоятельно, культивируя в человеке способность эстетически развиваться. Но эстетика – это нечто случайное, условное, выросшее на теле искусства, подобно библиографии научных трудов относительно самой науки. Искусство не отображает, а выражает жизнь, поэтому специфика искусства, его деления на жанры практически не существует, поскольку реализация выражения жизни связана главным образом с теми условиями современности, которые предлагает время для наиболее активной формы выявления этой реализации. Искусство еще более жизнеспособно, чем человек, не потому, что искусство вечно, а потому, что непреходяща действительность, бесконечно изменяемая обстоятельствами и временем. Поэтому способы выражения человека в искусстве могут быть столь же разнородны, как формы жизни на земле. Понимая искусство таким образом, можно подойти к его основному закону — Закону всеобщей контактности.

Контактность в искусстве — это овеществление творческой потенции в нечто пластическое по концепциям своего времени. Иначе — перевод жизненной реакции человека в некое материальное качество, способное раздражать, воздействовать, будоражить, передавая людям тот контакт с миром, который испытал художник. Контактность отрицает ортодоксальную теорию искусства и утверждает, что во — первых, — определять что есть искусство и что не представляет произведений искусства необходимо, исходя не из эстетических категорий, но из творческой потенции и способов ее реализации. Все вопросы эволюции искусства рассматриваются на почве анализа бытия человека в жизни и его переживаний этой действительности. Теория контактности разрешает все вопросы обучения (учить следует не искусству, а выявлению творческого начала), снимает практически границы специфики искусства, трактуя их как связь силы воздействия с материалом. Тем самым по новому определяется и эволюция художественного мышления в истории человечества. Искусство — это человеческая жизнь, создание пластического духовного воздействия, идентичного силе воздействия действительности. Иначе говоря, искусство — это жизнь человека в жизни. Живое взаимодействие человека, мира, природы.

…Москва, 1958 год, Ветошный переулок, в полуподвале размещается Московский городской комитет художников — графиков и здесь размещается Студия повышения квалификации художников, членов Горкома Графиков. В этой студии в 1958 году начал преподавать Элий Михайлович Белютин.

Этот год по праву считается годом образования студии Э.Белютина, впоследствии получившей название «Новая реальность». За годы существования студии через нее прошли более 300 человек, некоторые только временно — пароходные поездки по Волге 1961,1962,1968 годов, работа в доме отдыха Химзавода в Рузском районе Московской области «Красный стан» 1959,1960 гг. Основной костяк составляло человек 30 — 40. С годами кто то уходил, кто то появлялся новый. В первом составе было много художников прошедших и воевавших в Отечественную войну — Александр Крюков,  Петр Валюс, Леонид Рабичев, Владимир Шорц, Ростислав Галацкий, Виктор Гершман и другие художники.

Были художники оканчивавшие ВХУТЕМАС — ВХУТЕИН — Д.Бродская, И.Борхман, Тамара Рубеновна Тер — Гевондян(занимавшаяся у Л.Бруни и К.Истомина). Был и представитель племени художников авангардистов 20-30х годов -Валентин Окороков…

Пароходная поездка по Волге 1962 года закончилась небезызвестной Таганской выставкой советских абстракционистов в помещении студии на Б.Коммунистической улице в конце ноября 1962 года. И затем продолжившейся в Манеже, где 1 декабря была разгромлена Н.С.Хрущевым.

…Из воспоминаний В.И.Преображенской: «1 декабря 1962 года, 8 часов 30 минут…Чистые тротуары у Манежа покрыты белой поземкой, которую сдувает холодный ветер. Мы — 14 “допущенных”, ждем, когда нас впустят вовнутрь. “Мы” — это Э.Белютин, Н.Воробьев, В.Галацкий, Л.Грибков, Д.Громан, Б.Жутовский, А.Колли, Н.Крылов, Л.Мечников, Э.Неизвестный, В.Преображенская, Л.Рабичев, В.Шорц, В.Янкилевский.»

Принцип живописи у Белютина. – это условность формы при натуральном проживании образа. На первом месте образ — тема, прочувствовать ее, прожить внутри себя, и только затем переносить этот образ на холст, используя те условные формы, которые, как вам чувствуется, на интуитивном уровне, наиболее подходят для выражения этого образа на холсте. А не наоборот, придумать кучу затейливых форм, а затем под них притянуть какую нибудь тему (концепцию), что, в результате, получается очень поверхностно по сути и декоративно по восприятию. На уровне дизайна. Декоративное оформление пространства или холста. В западной прессе того времени, после нашумевшей «Манежной» выставки, в хвалебных отзывах их окрестили «советскими абстракционистами», но на самом деле вся их живопись и графика фигуративна.

Широко говоря, студия Белютина — это и есть второй русский авангард. Студийцы брали тему, разрабатывали сюжет, придерживались выбранному направлению.

Каждое направление имело свою технику исполнения, свои способы выражения, разработанные Белютиным. Но это не значило тупое следование художниками заданиям Э.Белютина, все пропускалось через себя, через свои ощущения и понимания. Часто это были многофигурные композиции.

В 1964 году начались занятия в «Абрамцеве» на даче Нины Молевой. Женой и сподвижницей Элия Белютина. И в ноябре прошла первая выставка работ Студийцев на открытом воздухе в лесу на участке.

В Студию влились художники из Егорьевска, Ногинска, Болшева, Солнечногорска и др.; Владислав Зубарев, Борис Миронов, Люциан Грибков, Александр Панкин, Анатолий Строчилин… Характерно, что в студии с этого времени начали работать в основном художники прикладники работавшие художниками на текстильных предприятиях — комбинате им. Свердлова, фабрике «Красная Роза», Обуховском Коврово-суконном предприятии, живописцы и скульпторы по фарфору на Дулевском фарфоровом заводе, художники — модельеры Всесоюзного дома моделей, художники — постановщики Московского цирка, архитекторы и графики. Владимир Сомов, Марина Зайцева, Наталья Гончарук, Марина Зенчева, Надежда Александрова, Евгений Гор…

Занятия в студии не предполагали какого-либо ограничения по возрасту и занятия велись только для профессионалов, а обучению ремеслу здесь не занимались.

Следует упомянуть, что на протяжении почти пятидесяти лет, задания и техника их исполнения менялись. Все усложняясь и усложняясь. И если конец 50-х и начало 60 — х, это темпера на картоне, размером до метра, где незначительно искажалась форма, цвет форсировался и уходил от натуры, применялись различные предметы в качестве штамповки и т. д. То в 70-е и 80-е это были сложно построенные многофигурные композиции маслом на холсте, размером до четырёх и более метров.

Можно привести выдержки из альбомов и записей некоторых художников — их подготовка к написанию живописи — эскизы, размышления, фиксация этапов работ; хронику записей заданий, теоретических размышлений, конкретных разработок тех форм и понятий, которыми руководствовались художники следуя заданиям Белютина.

Безусловно, на художников, работавших в то или иное время в студии Белютина, на их творчество в прикладном дизайне, в книжной графике, архитектуре, повлияла та школа, которую они прошли совместно с Э.Белютиным. Белютин раскрепощал личности, но не спонтанно, а имел четкую педагогическую систему. В которую входили общие философские понятия постижения этого мира и четко определенная техника изображения этих понятий, которая постоянно усложнялась из года в год. Но это очень личностная педагогическая система, очень сложно постичь ее и передать дальше. Будем уповать на будущее. Как хотелось Белютину — создавать вселенский язык искусства.